Páginas

Galaxia a la acuarela en 6 pasos.

Obra acabada.

Es la primera vez que hago una galaxia, me ha parecido muy divertido y sencillo, eso sí, si tienes los materiales y sabes cómo hacerlo. 
Hay muchos tutoriales en internet sobre el tema de pintar galaxias con acuarelas, y es que está de moda. Pero aún así, me he animado a explicar el proceso que he seguido porque creo que algo puedo aportar.

paleta de color suada en el tutorial
Colores preparados.

Materiales

Vamos a necesitar
  • Naranja
    - He usado Naranja de Cadmio Winsor&Newton.
    - Es opaco y contiene los pigmentos PY35 PR108.
  • Rojo claro
    - He usado Rojo Claro de Cadmio W&N
    - Opaco. Tiñe y granula. Pigmento PR108.
  • Azul
    - En mi caso Azul de Prusia W&N pero en realidad un Azul Ultramar Francés sería idóneo porque además granula bien.
    - El que he usado contiene el PB27.
  • Verde frío, es decir que tienda más a azul que a a amarillo.
    - Me encantan los turquesas pero el Verde Viridiano W&N era perfecto.
    - Transparente. Granula. No tiñe. PG18
  • Violeta (que sea potente, en la foto el color del centro).
    - Violeta Winsor también de W&N
    - Transparente. Tiñe. Corresponde al violeta de dioxacina pigmento PV23.
  • Gouache blanco de titáneo (es el más opaco de los blancos, que yo sepa).
Para el último paso
  •  Gris Payne o un Negro
    - He usado el Gris Pyne porque tiene una tendencia a azul muy bonita y no ensucia tanto si se mezcla
    - Semiopaco. Tiñe. Pigmentos PB15, PBK6, PV19. 
También necesitarás: 
  • Papel de acuarela (creo que mejor uno que tenga algo de textura para permitir que el pigmento granule de una forma más visible).
    - La que ves en la primera imagen es una libreta 22,5 x 30 cm, 300 gr, marca Canson. No he fijado el papel porque era una prueba pero te aconsejo que lo fijes con cinta de pintor para evitar que se combe.


  • Pinceles:
    - Yo he usado uno plano tipo paletina  para extender el agua. Aunque el mío es de pelo corto sirven igual los de pelo largo, eso sí que sea suave. El tamaño el que prefieras, me gustan de unos 2 cm de ancho.
    - Uno redondo que carga mucha agua para "dejar caer la pintura". Como verás en la imagen el que he usado es un Petit gris.
    - Uno plano pequeño que uso siempre para hacer las mezclas de color. También lo he usado cuando la pintura del penúltimo paso (el paso 5) se secaba en los bordes de un modo que no me gustaba. Este pincel es mi favorito.
    - Pincel de salpicado marca Distress (el  mundo Scrap ha creado unos productos super interesantes) pero puedes usar un cepillo de dientes viejo.
    - Opcional un pincel fino para detalles. Yo no he añadido nada en este caso y no lo he usado, pero con uno así puedes añadir más estrellas a tu galaxia.
  • Sal (este es el ingrediente secreto).Y opcional medium de granulación para acuarelas de W&N (que yo no he usado en este tutorial pero que prometo probar y contar el resultado editando este post o creando un post nuevo).
  • Vaso grande de agua limpia (que habrá que ir cambiando conforme se ensucie).
  • Papel de cocina
  • Opcional: papel secante

Proceso


Paso 2


Paso 1: el agua y el color

Primero preparamos los colores como se muestra en la paleta (están todos menos el Gris Payne, o el negro escogido, porque ese lo podemos preparar al final).

Mojamos el papel con el pincel plano tipo paletina.

Con el papel mojado empezamos a pintar dejando correr el color por el papel. No pintaremos sobre los otros colores pero sí dejaremos que se unan en sus bordes cubriendo el papel ahí donde queremos nuestra galaxia. Sin dejar que se seque pasamos al segundo paso:


Imagen del papel una vez
seco y aún con la sal del paso 2


Paso 2: la sal

Es el momento de tirar montoncitos de sal (pero sin pasarse). Es importante que los colores estén húmedos porque la función de la sal es absorber el líquido y la humedad, con lo que también va a absorber parte del color como vemos en la siguiente imagen.

Consejo: si vemos que hay demasiada agua en los bordes de la pintura podemos recoger el exceso con la punta de un papel de cocina o de papel secante.

Dejamos secar completamente el papel con los montoncitos de sal y una vez estén totalmente secos los retiramos suavemente con la mano.

Consejo: para no ensuciar más de lo necesario, podemos recoger los restos de sal con ayuda de un pincel a modo de escoba y de un papel como recogedor.

Segunda capa de color y un poquito de sal.
El papel aquí se ve mojado.


Paso 3 y 4: más color y más sal

Repetimos el paso 1 y el 2 pero esta vez al aplicar el agua limpia con el pincel plano tenemos especial cuidado de no arrastrar pintura. Para ello lo hacemos de forma lenta, suave (sin apretar) y, a ser posible, evitando insistir en ninguna zona.

Habrás observado que al secar la acuarela pierde mucha intensidad. Pues ahora toca volver a insistir con el color en las zonas donde consideres. Puedes poner un color diferente sobre otro en alguna zona pero te aconsejo que lo hagas solo con los colores transparentes y que lo hagas en muy pocas zonas (o en ninguna). Podemos añadir de nuevo sal pero esta vez añadiremos menos cantidad.

Papel con segunda capa de color ya seco.
Observando el efecto decido reservar la luz
en la zona de amarillos y verdes.

Si añades sal deja secar completamente antes de pasar al paso 5. Si no usas más sal puedes empezar a trabajar con el Gris Payne como se indica a continuación pero solo si el papel sigue bastante húmedo. De lo contrario deja secar completamente y continua siguiendo las instrucciones como si hubieras añadido la sal.

Nota. Si mojas el papel con mucha agua cuando está sólo un poco húmedo el color no se asentará en la superficie y producirá bordes indeseados arrastrando incluso zonas del color de debajo dependiendo de la humedad que encuentre en el papel.

Paso 5: retiramos la sal y preparamos los colores oscuros

Una vez seco retiramos con cuidado la sal. Mientras seca podemos preparar en la paleta un poco de Gris Payne o el negro elegido. Ha de quedar bastante oscuro porque va ha ser el toque de contraste.

Volvemos a mojar el papel con cuidado (despacio y sin frotar el pincel) y aplicamos el color respetando las zonas que queramos dejar en luz.

Consejo: conforme seque podemos tratar de controlar los bordes recogiendo color con un pincel seco. Para esto uso uno plano pequeño  y lo voy limpiando y secando antes de apoyarlo sobre el borde que quiero suavizar. Para secarlo uso papel absorbente pero también se puede utilizar de cocina.

Paso 6: salpicado

Ahora tenemos una imagen similar a la de abajo, es hora de preparar un poco de pintura blanca. Para ello mezclamos en nuestra paleta un poco de gouache con agua. Debe quedar menos denso que la miel, pero no tan líquido como la leche.



Cargamos el pincel de salpicado marca Distress o el cepillo de dientes y movemos los dedos hacia nuestro cuerpo para hacer que las cerdas se suelten hacia el papel (si  lo hacemos al revés nos salpicaremos a nosotros mismos). Te aconsejo que hagas pruebas sobre papeles viejos o cartulinas de color oscuro, de ese modo controlarás mejor el resultado según la distancia, la densidad de la pintura y la cantidad que cargas en el pincel o cepillo de dientes. Lo ideal es que hagas la prueba con la pintura que has hecho unos momentos antes de hacer el salpicado final, de ese modo conocerás la densidad de la pintura que has preparado en esa sesión.
Y en fin, arriba tienes el resultado final completo y aquí abajo un detalle.

Si tienes alguna duda, no dudes y escribe un comentario. Me gustará saber que entre tanto tutorial que hay en la red, ha merecido la pena escribir este.

Y si te animas y compartes el resultado en Instagram, me encantará que me menciones y etiquetes. Y como me hará mucha ilusión te incluiré en mis stories. Aquí tienes un enlace a mi cuenta @jessicapiqueras





Entrevista en Nika Vintage

Aquí mismo os dejo una entrevista muy completa que me han hecho desde Nika Vintage. Una entrevista llena de preguntas de esas que te ayudan a conocerte un poco más. Me ha encantado hacerla. Si tenéis un rato os invito a leer mis respuestas y también a pasear por su blog porque, estoy segura, os gustará.

nikavintage enlace a la entrevista



Escucha al mundo

A veces con las prisas se me olvida escuchar y después siento que es una pena porque para sentirse vivo es muy importante estar atento y ser consciente de todo lo que nos rodea. Por eso voy a colgar esta ilustración en el cuarto de mi bebé. Espero sea un buen recordatorio para mí y un bonito mensaje que compartir con él.

Ojalá el planeta sea amable y le susurre cosas bonitas e interesantes.

Acrílico y lápiz de color sobre papel de acuarela Saunders 300gr


 

Foto de perfil vs. perfil ilustrado

Las fotos de perfil elegidas de un modo espontáneo no existen, queremos dar la mejor imagen de nosotros mismos en nuestro perfil, y para eso invertimos tiempo en buscar entre un montón de archivos esa "cara" o esa "imagen" que queremos mostrar, porque esa será la manera en la que nos damos a conocer a el mundo ¡Casi nada!
Ya hace tiempo que andaba pensando en cambiar la foto de perfil por una ilustración que representara mi trabajo pero siempre me surgían dudas sobre sí era un cambio para bien o para mal.
El asunto es que en mis primeros perfiles usaba dibujos que nada tenían que ver con mi físico, y claro, después asistía a reuniones en las que nadie me reconocía. Para más inri se ha dado el caso de que mis conocidos de Internet seguían mi misma práctica con lo que yo tampoco era capaz de reconocerlos y acabábamos la reunión sin reunirnos.

A parte de eso sólo veo ventajas en los dos casos.

Ventajas en el caso de la fotografía como perfil:

  1. Humaniza la marca 
  2. Te hace reconocible en un evento o reunión (también por la calle y en una cafetería pero como no eres un troll no importa).
  3. En ciertos ámbitos como linkedIn, es más correcta, más seria o formal.

Ventajas en el caso de usar una ilustración como perfil:

  1. Representa lo que puedes hacer por tu cliente, hace marca. 
  2. Destaca sobre otras imágenes convencionales. El perfil es un escaparate muy visible en el que se repite mucho el patrón ojos, nariz, boca, cabeza, hombros... Al usar una ilustración rompes con lo esperado, ya no es una foto más. 
  3. Tienes control total sobre el color y el atrezzo. Por lo que puedes crearlo en armonía (o contraste) con el tema de tu web, blog o red social.

Dicho esto voy a arriesgarme. Para crear mi nuevo perfil-ilustrado me he inspirado en una imagen que ha sido mi foto de perfil durante un tiempo. No la he copiado pero me he inspirado en ella. De ese modo el cambio foto-ilustración no es tan grande y el resultado representa mi trabajo pero también a mí misma. El cambio lo voy ha hacer en algunas redes pero no en todas (por ejemplo en linkedIn no lo hago porque ahora mismo no me atrevo).



Y tú ¿en tu perfil usas ilustración o fotografía? ¿cómo te decidiste? ¿se te ocurren más argumentos en  contra o a favor de ambas representaciones?  Me alegrará mucho que me lo cuentes y también si quieres darme tu opinión sobre mi nuevo perfil. Gracias.  
 


Una ilustración por primavera

Llegó la primavera

Al fin llegó la primavera aunque dicen que el buen tiempo se nos va durante una temporada. Al menos disfrutaremos del cambio de horario y de la hora de luz extra que supone. No sé si te sucede como a mí que una hora de luz por la tarde me llena más que una de madrugada.
Esta semana quería traer al blog un pedazo primavera y como también quería probar un poco de técnica mixta... he aquí el resultado.


Técnica mixta, medios versátiles

La ilustración mide un A4 (29,7x21 cm). Usar una técnica mixta en un formato tan pequeño ha complicado el proceso sobre todo por querer utilizar lápiz carbón. Pero es que el carboncillo y derivados (además de que te manchan un poquito los dedos) ofrecen una sensación muy plástica que me gusta mucho. Quizá la próxima vez lo sustituya en los detalles por un lápiz negro normal para no sufrir por la falta de precisión.
Aunque sea una técnica mixta hay que tener un poco claro desde el principio qué medios vas a utilizar, porque si no pones límites te puedes marear bastante. En este caso he usado neocolor, acrílico, guache y lápiz conté...
Como tenía claro los materiales que condicionarían la obra iba alternando los recursos teniendo en cuenta sus características:
  • limitaciones (el acrílico impermeabiliza la superficie, el carbón puede dar problemas si se moja...) 
  • y posibilidades (sobre el guache se dibuja muy bien, el neocolor se puede acuarelar o usar como cera...). 
Todo es cuestión de ir probando y de conocer los medios (y también los colores) que atesoras. No creo que haya que quedarse en la rigidez de usar un solo medio de principio a fin si no es lo que te apetece (y esto lo digo con todo el respeto hacia los puristas y a su admirable habilidad).


Sobre el momento de dar por acabada una obra 

En esta ocasión es posible que haya dado un par de toques de más. No sé si te pasa pero me resulta muy difícil decidir cual es el mejor momento para dar a una ilustración por acabada. Esto me pasa sobre todo cuando trabajo con técnica mixta porque siempre puedes meter un poco más de un ingrediente o de otro.
En la pintura física (o pintura no digital) no existe el Control+z como tampoco se pueden guardar versiones (aunque sí fotos y capturas de escaner). Si das una pincelada de más tienes que cargar con las consecuencias y tienes que decidir cuando está, o no está, de más esa pincelada. Normalmente estás tan metido en la imagen que no eres objetivo. Por eso merece la pena detenerte. Meditar qué acabar más y qué no tocar. Y después parar por fin para dar el trabajo por concluido.
En este caso lo he compartido enseguida, por un lado porque ya es primavera, y por otro porque de ese modo se adquiere el compromiso de no retocar nada. Publicado = acabado.

Después, pasado un tiempo, puede sucederte (como a mí) algo extraño: vuelves a ver la imagen y tienes la chocante sensación de que no te pertenece, de que no es tuya aunque te resulta tan familiar como tu reflejo en el espejo. Te puede pasar con una ilustración, o con un texto, o con una foto... sobre esto tengo que investigar, seguro que es un fenómeno y tiene hasta nombre (si lo conoces, por favor, me quitarías un peso de encima si me lo cuentas).

Si te apetece seguir hablando en los comentarios sobre qué materiales te gusta más mezclar, si tienes tus colores preferidos, o si alguna vez te ha pasado como a mí, que te gustaría tener un control+z o un freno en el pincel; estaré encantada de conversar y de visitar los enlaces que me indiques a tu blog.



Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...